抽出文本．重新組合 ——紐約古根漢美術館「毛瑞茲奧．卡特蘭：全」特展

「毛瑞茲奧．卡特蘭：全」特展一景

挑唆者、惡作劇者、悲劇詩人等，都是義大利藝術家毛瑞茲奧．卡特蘭（Maurizio Cattelan, 1960-）曾被冠上的稱號，他的作品總是以大膽、幽默的方式反映並批評當代社會議題。不僅作品本身，在展覽方式上，卡特蘭也試著顛覆傳統：1989年的首次個展，他在上鎖的畫廊門口掛上「馬上回來」的牌子；1993年，他在畫廊門口堆起一道磚牆，觀眾只能透過一扇窗戶窺見畫廊內部。而本次於紐約古根漢美術館展出的回顧展「毛瑞茲奧．卡特蘭：全」，也以令人感到耳目一新的方式呈現，再度打破習慣上以編年形式或以作品媒材分類的回顧展傳統。

●關於失敗
出生於帕多瓦的卡特蘭是卡車司機與清潔人員的孩子，他並未受過正規的學院藝術教育，曾做過廚師、園丁、護理人員、喪葬業者等工作。從小家裡的經濟壓力、學業及工作上的不順，塑造出他對於權威的不信任及單調勞工的厭惡。1980年代，卡特蘭轉向木製家具設計，並受到不少義大利雜誌及製造商的青睞。然而，他仍覺得設計不是自己該走的路，於是轉向藝術創作，而早期的個人經歷也多反映在作品之中，他曾形容自己最早幾年的作品是「關於事情的不可能性、關於不安全感、關於失敗」。

卡特蘭的創作大多是行為藝術及雕塑，而他的創意及做法有時超乎常規至並非所有人都能接受的程度。1996年於阿姆斯特丹一間藝術中心的聯展中，卡特蘭偷取了附近一家畫廊內部的所有物品，將另一位藝術家的作品、傳真機、檔案櫃等物件裝在紙箱或塑膠袋裡，當成自己的作品展出，取名為〈另一項他媽的現成物〉，直到警方威脅將他逮捕，他才歸還物品。如此的做風雖然過份，卻也直接點出藝術界的一項問題。更令人哭笑不得的，是1991年在義大利的一次展覽，由於卡特蘭來不及創作新作品，於是靈機一動，在開幕的前一晚至警察局報案，聲稱放在汽車裡的一件作品被偷走了，而警方打出的案件表便被他當做作品展出。這張案件表也在本次的回顧展之列。

●作品的對話
走進古根漢美術館的大廳，卡特蘭的作品立刻映入眼簾。然而，它們並非規規矩矩地按照順序排列，而是一件件從天花板上垂吊下來。從大廳中央抬頭往上看，一百廿八件作品上下參差，令人眼花撩亂。乍看之下，小木偶、馬、動物骨骼、人像、照片、植物……等物件無秩序地分布在空間之中，卻也激起觀眾的好奇心，試著從中找出道理。不過，是否有一定的「道理」存在，似乎也是卡特蘭留給觀眾思考的問題。

探討社會議題，很自然地會牽涉到公眾人物。〈第九小時〉（1999）是一件十分搶眼的作品，穿著白袍的教宗約翰．保羅二世被隕石擊倒而橫躺在紅色的地毯上，似乎在諷刺科學與宗教的關係。〈他〉（2001）是呈現跪姿的希特勒，如同在懇求什麼似的荒謬畫面。同樣令人想到納粹的，是三隻比著向希特勒致敬手勢的手臂，這件名為〈向聖母致敬〉（2007）的作品，緊鄰著一匹身上插著「INRI」牌子的馬，（「INRI」為耶穌被釘十字架時，釘在他上方的牌子，意為「耶穌，猶太人的王」，）而稍微上方，是一件比著中指的巨大手部雕塑〈愛〉（2010），雖然這三件作品並不是同一時間的創作，但擺在一起仍帶來有趣的聯想。另外，躺在棺木中的甘迺迪蠟像，與其作品名稱〈現在〉（2004）相對應，似乎暗指如今已破碎的美國理想主義。

卡特蘭也常用自己做為創作的出發點。1995年的黑白照片〈無題〉是他自己的照片，躺在地上、雙手雙腳彎曲、伸出舌頭的卡特蘭，就好像一隻極欲取悅主人的狗，呈現一種漫畫式的喜感。〈我們是革命〉（2000）是穿著西裝的卡特蘭，被金屬衣架吊著脖子。另有一件作品，則是他從地面的破洞探出頭來，如偷窺般地觀看前方。

從展場中大量的動物標本及骨骼，就可觀察到「死亡」是卡特蘭不停探討的主題。這些動物的姿態各異，而且並不是每一件都令人感到愉快或舒適，例如沒有頭的馬、好似服毒自殺的松鼠等，都帶出一種不安的感受。令人聯想到越戰紀念碑的黑色石塊、古典羅馬的大理石墓碑等，也在作品之列。2007年的〈所有〉，則是九件如同被布包裹著的載屍擔架，被卡特蘭稱為「死亡紀念碑」，反映了媒體中常見的天災人禍犧牲者的形象。事實上，這次展覽的整體展出方式本身便是把作品一件件地吊在空中，「上吊」的聯想實在很難避免。

●獨特的展覽形式
雖說是回顧展，但其實「毛瑞茲奧．卡特蘭：全」本身就是一件新的創作，而且是一件特定地點的創作。從天花板上垂吊所有作品的展覽方式，似乎只有在紐約古根漢美術館這座美國建築師萊特（Frank Lloyd Wright）設計的標的性建築中才有可能實現，也因此本次回顧展並沒有巡迴展出的計畫。觀展的過程中，觀眾可以先從下方觀看，然後沿著美術館的環形坡道一步一步往上攀升，不同的高度及角度都帶來不同的視覺效果及發現，沒有任何一件作品比另一件作品的位置重要。或許正因為如此的獨特性，讓一向抗拒包括回顧展在內的藝術系統的卡特蘭，也願意做出本次的回顧展。他曾表示，在回顧展中，藝術家的生涯及作品多被科學性地探討及分析，但其實藝術的發展並不是線性的進程，而有太多的變化因素。在他看來，最好的回顧展不僅是給予答案，而是要開啟更多的問題及討論，正如本次的回顧展，不僅呈現了他過去的作品，也讓作品與作品之間產生新的對話，不同的觀者也能夠有不同的解讀。雖然作品抽離了首次展出的文本，但卻被賦予了新的意義。

與展覽同時公布的，是卡特蘭的退休消息。雖然他年僅五十出頭，卻於展覽開幕之際宣布從藝術界退出。所謂「退休」是什麼意思，卡特蘭並沒有多做解釋，他僅表示，到了一個時間點，似乎就該停下自己正在做的事，雖然尚不確定未來如何。可以確定的，是卡特蘭與攝影家費拉里（Pierpaolo Ferrari）於2009年合創的半年刊《衛生紙》仍將繼續發行，他也將繼續發揮自己的創意，至於其他的細節，就留下許多的臆測空間了。或許就如同他向來的作為，當卡特蘭再度發聲時，又會帶起一陣驚奇與話題。


（原文刊載於《藝術家》雜誌441期2012年2月號）

How Latin American Art Entered Global Market

Colombia artist Pedro Ruiz was presented in arteaméricas, a Latin American art fair.

Latin American art, which has caught more and more attention over the past decade, has grown steadily in its popularity in 2011. This past November, Christie’s Latin American art auction reached a total of 20 million USD. The top lot, Fernando Botero’s bronze sculpture Dancers (2007), was sold for 1.76 million USD, a record for the artist’s sculpture. Sotheby’s Latin American art auction in the same week reached a total of 17 million USD. The top lot, Rufino Tamayo’s painting Watermelon Slices (1950), was sold for 2.2 million USD. Also in November, the forum “Latin American Art in Global Collections” held by the Art Dealers Association of America, again, showed growing interests in the area. Meanwhile, museums have been putting on exhibits of Latin American art. Such popularity did not come out of nowhere. Instead, traces could be seen from different aspects over the past decade.

Auction Houses
Sotheby’s launched its first Latin American art auction in 1979, followed by Christie’s in 1981. At the time, however, Latin American art was generally considered a small branch of modern art. The lots at both auction houses covered works created by both Latin American artists and foreign artists traveling to the continent from a period of 17th to 21st century. In other words, the sales were a mix of arts and crafts of all kinds. Not until 1999 did Christie’s gather a group of geometric abstract works that narrowed down their Latin American art auction into more specific art. Sales grew over the next few years. 2008 was especially good with the two auction houses reaching a total of 71.5 million USD. A decline happened in 2009, when the total was down to 42.68 million USD. Nevertheless, the fact that Phillips de Pury & Company launched a new theme series of Latin American art, including painting, sculpture, design, and photography, in the fall of 2009 still illustrated its potential.

More significantly, Sotheby’s held a single-artist sale “Fernando Botero: Celebration” in their 2011 Latin American art spring auction, which was the first of its kind since the Joaquín Torres-Garcia auction in 1992. The market value of Botero was thus established despite the merely satisfying results. Interestingly, the top three lots of the auction all went to Asian collectors. They were Family (1972), a painting sold for 1.4 million USD, A Man on a Horse (1992), a bronze sculpture sold for more than 1.17 million USD, and Nude (1983), a painting sold for 0.63 million USD.

A few auction records for artists remain on the market right now include Frida Kahlo’s Root, sold for 5.6 million USD, Diego Rivera’s Baile en Tehuantepec, sold for 3.1 million USD, and Rufino Tamayo’s Trovador, sold for 7.2 million USD.

Art Fairs
Art Basel, one of the most prestigious art fairs, expanded to Miami in 2002. Being close to American collectors and having nice weather in the winter were certainly reasons why Miami was chosen. More importantly, however, was its accessibility to Latin America. “It was one of the founding principles to have access to the Latin American market, and to develop it in the process,” said Art Basel’s co-director Marc Spiegler, who called Miami “nexus for the Latin American elite.” Latin American art, in fact, did grow at the art fair in the past few years. Twenty-six Latin American galleries and hundreds of Latin American collectors participated in the fair in 2011, where both the exhibits and the forums were filled with Latin American flavor.

Also located in Miami is the Latin American art fair “arteaméricas” held every year in March. Founded in 2003, arteaméricas is one of the earliest and largest Latin American art fairs in the US. More than fifty galleries attended the fair last year. Just as Art Basel Miami, arteaméricas has developed various theme exhibits and forums to increase people’s understanding towards Latin American art.

The founding of PINTA, an art fair that focuses on modern and contemporary Latin American art, also reflects the need among European and American collectors. Getting into its fifth edition, PINTA is held every June and November respectively in London and New York. Participating galleries come from all over Europe, the US, and Latin America. Despite the short history of the fair, the artists presented include modern masters, such as Botero, Tamayo, and Wifredo Lam, significant movements, such as geometric abstraction and conceptual art, and young contemporary artists. Whether viewing from the perspective of art promotion or market need, the founding of these art fairs demonstrates the rise of Latin American art.


Latin American Collectors
Speaking of the rise of regional art, one important factor is the support of local collectors. With the economic growth, Latin American collectors have been increasing their collection and widening their scope. According to experts, Latin American collectors used to collect only works from their own country. Mary-Ann Martin, who set up the first Sotheby’s Latin American art auction, even once said, “At the beginning, I could look across the auction room and see which lots would go where.” Gladly, dealers of Latin American art have seen a change recently. Collectors, especially those from Venezuela, Uruguay, Argentina, and Brazil, are looking beyond nationality. While the older generation is still in favor of the masters of the 20th century, young collectors are more interested in the diversity of contemporary art.

Other than economic growth, globalization also contributes to the rise and transformation of Latin American art collecting. In the age of global traveling, collectors have access to more variety of art than ever, which develops a diversified taste in them. On the other hand, Latin American art itself comes out of a diversified culture. Being able to attract collectors of different tastes is, thus, not surprising.


Museums
Needless to say, the value of an artwork is judged not only by its market price, but also by the affirmation from the academia. Museums have been putting on Latin American art exhibitions over the past few years. Among them was “Inverted Utopias: Avant-Garde Art in Latin America” held in 2004 by the Museum of Fine Art, Houston, one of the foremost museums in promoting Latin American art. Exhibiting works from the 1920s to the 1930s and from the 1960s to the 1970s, it aimed to break the stereotype people had towards Latin American art. In 2007, the museum collected a group of Brazil Constructivist artworks and put on an exhibition “Dimensions of Constructive Art in Brazil” to illustrate how the movement interacted with Europe and the US in the same period. Geometric abstract paintings, drawings, posters, and graphics of post-war Brazil, an important period of Brazil’s modernization, were exhibited in the show. Great masters certainly are not absent from museums. Now through May 2012, the MoMA puts on an exhibition of Diego Rivera’s portable murals, which he created for the MoMA in 1931. Both English and Spanish are presented in the wall texts, which show the museum’s effort to widen their audience.


Diversified Presentation
Latin America covers an area of more than twenty countries, with two languages and hundreds of dialects. Its cultural diversity brings a unique environment for creating art. Both the academia and the market have seen the significance of Latin American art in a global art conversation over the past decade, which definitely contributes to the rise and growth of Latin American art.


（Originally published in《ART TAIPEI FORUM media》Vol.12, January 2012）

拉丁美洲如何進入國際藝術市場版圖

哥倫比亞藝術家Pedro Ruiz的作品於拉丁美洲藝術博覽會「arteaméricas」展出

受到愈來愈多注目的拉丁美洲藝術，在2011年有著熱度繼續爬升的現象。11月中，佳士得拉丁美洲藝術拍賣以近2000萬美金收場，其中哥倫比亞藝術家波特羅（Fernando Botero）的銅雕作品〈舞者〉（2007）以逾176萬美金拍出，不僅是該場最高價的作品，也創了波特羅的雕塑拍賣紀錄。緊接著，蘇富比拉丁美洲藝術拍賣總成交額也達到1700萬美金，最高價者為墨西哥藝術家塔馬約（Rufino Tamayo）的畫作〈西瓜切片〉（1950），以220萬美金成交。而美國藝術商協會於11月舉辦的「全球收藏中的拉丁美洲藝術」論壇，聚焦於現當代拉丁美洲藝術博覽會「PINTA」，更說明了市場對於這一區塊的重視。除此之外，數間美術館也相繼推出拉丁美洲相關展覽。這股熱潮自然不是短時間興起的，而在過去十幾年間各方面都有跡可循。

●拍賣公司推介
蘇富比於1979年舉辦了第一場拉丁美洲藝術拍賣，而佳士得也於1981年跟進。不過，早期的拉丁美洲藝術多被歸為現代藝術的一小支，而拍品則涵蓋了17世紀至21世紀拉丁美洲藝術家或旅遊至該處的外國藝術家的作品，換句話說，拍品的內容十分混雜。直到1999年，佳士得集合了一組幾何抽象作品，才使拉丁美洲藝術的拍賣漸趨專門化。接下來的幾年間，拉丁美洲藝術的拍賣情況持續成長，到了2008年是一個高峰，兩家拍賣公司一年下來的總共累積了7150萬美金的成交額。2009年的情況稍微下滑，兩家拍賣公司成交額總共為4268萬美金。雖然如此，Phillips de Pury & Company拍賣公司卻於2009年秋季開始，將拉丁美洲藝術分出為當代藝術的一個主題，推出繪畫、雕塑、設計、攝影等作品，也可看出潛在的發展性。

2011年，蘇富比更在拉丁美洲藝術春季拍賣中，安排了單一藝術家的場次「費南多．波特羅：慶祝」。這是自1992年托勒斯—加西亞（Joaquín Torres-Garcia）的拍賣以來，第一場單一拉丁美洲藝術家的拍賣，雖然結果並未令人驚豔，不過就拍賣公司願意舉辦單一藝術家拍賣的這點看來，仍舊反映了波特羅的市場地位。有趣的，是該場拍賣的三件最高價成交作品，皆由亞洲藏家購得，分別為繪畫〈家庭〉（1972）以近140萬美金成交、銅雕〈騎馬者〉（1992）以逾117萬美金成交，以及繪畫〈裸女〉（1983）以大約63萬美金成交。

總的來說，目前拉丁美洲藝術在拍賣市場上的幾項紀錄，包括卡蘿（Frida Kahlo）〈根〉的560萬美金、里維拉（Diego Rivera）〈特萬特佩克之舞〉的310萬美金，以及塔馬約〈吟遊詩人〉的720萬美金，皆是藝術家本人的拍賣紀錄。

●藝術博覽會的聚焦
全球聲望最高的藝術博覽會之一的巴塞爾藝術博覽會，於2002年擴展至美國邁阿密，原因除了接近美國藏家、冬天陽光普照之外，自然也是因為邁阿密的地理位置靠近拉丁美洲。稱邁阿密為「拉丁美洲菁英份子連結點」的博覽會總監史皮革勒（Marc Spiegler）曾表示：「能夠有機會接近拉丁美洲，並發展這一個區塊，是邁阿密巴塞爾藝術博覽會的創立原則之一。」在過去的幾年之間，拉丁美洲藝術也確實在博覽會中蓬勃發展，直到2011年第十屆邁阿密巴塞爾藝術博覽會，已有二十六家拉丁美洲藝廊參展，以及上百位拉丁美洲藏家前往觀展，不論是展覽或博覽會期間的座談，都充滿了濃濃的拉丁美洲味。

同樣位於邁阿密的，尚有每年3月舉辦的拉丁美洲藝術博覽會「arteaméricas」。2003年創立的「arteaméricas」，可謂美國最早、最具規模的拉丁美洲藝術博覽會之一。剛結束的第九屆博覽會，有五十幾間藝廊參展，除了藝廊展區之外，此博覽會也如同巴塞爾藝術博覽會一般，設計了各種主題展區及論壇等活動，自然促進了觀眾對於拉丁美洲藝術的認識。

另一項聚焦於拉丁美洲現當代藝術的博覽會「PINTA」的創立，也說明了歐美藏家對於此一區塊的需求。即將進入第五屆的「PINTA」，每年6月及11月分別在倫敦及紐約舉辦，參展畫廊不僅來自歐美，也來自拉丁美洲各大城市。雖然會齡尚淺，不過展出藝術家涵蓋了波特羅、塔馬約、林飛龍等現代大師、幾何抽象及觀念藝術等重要流派，以及年輕的當代藝術家。無論是以推廣或市場需求的角度來看，這些博覽會的設立及舉辦都反映了拉丁美洲藝術受歡迎程度的日漸提昇。

●拉丁美洲藏家的支持
其實說道區域性藝術的興起，最重要的因素之一，還是該地藏家的支持。拜拉丁美洲經濟成長之賜，近年來，拉丁美洲藏家的收藏愈來愈多，範圍也愈來愈廣。根據專家的觀察，以往拉丁美洲藏家多半只收藏自己國家的作品，創立第一場蘇富比拉丁美洲藝術拍賣的瑪莉—安．馬丁（Mary-Ann Martin）甚至說道：「一開始，我只要環顧拍賣會場一周，就可以預測出哪件拍品會落到何處。」不過，多間經營拉丁美洲藝術的藝廊都表示，這樣的情況已有顯著的改變，並點出委內瑞拉、烏拉圭、阿根廷、巴西等國的藏家特別不受到藝術家國籍的影響。在收藏喜好上，老一輩的藏家多半仍舊偏好20世紀的經典藝術家，年輕一輩的藏家則對於多元的當代藝術有較高的興趣。

促成拉丁美洲藝術收藏興趣的提高及改變，原因除了經濟成長之外，全球化的影響也功不可沒。在旅遊盛行的時代，藏家接觸了各種不同的藝術，也因此在喜好上也更多樣化。而拉丁美洲藝術本身就是十分多樣化的結合，能夠吸引各種喜好的藏家也不令人意外。

●美術館的肯定
當然，要評估一件作品的長久價值，光看市場上的表現是不夠的，最終還是要有學術上的肯定。過去的幾年間，不少美術館推出拉丁美洲藝術相關展覽，其中，休士頓美術館算是較早開始關注拉丁美洲現當代藝術的美術館之一，並推出了幾項重要展覽。2004年的「顛倒烏托邦：拉丁美洲的前衛藝術」，主要展出1920年代至1930年代及1960年代至1970年代的作品，突顯拉丁美洲藝術與傳統想法中的差別。2007年，休士頓美術館收購一組巴西構成藝術作品，並推出特展「巴西構成藝術的維度」，展出巴西二戰之後——同時是巴西現代化重要階段——的幾何抽象繪畫、素描、海報、圖象等作品，說明此處與歐洲、北美同時期運動的異同。經典大師的作品自然不會在美術館中缺席，2011年11月中，紐約現代美術館舉辦了里維拉的特展，呈現他於1931年為紐約現代美術館創作的一組「移動壁畫」，展覽中的文字說明皆有英文及西班牙文雙語，可看出美術館欲擴大觀眾族群的目標。

●多樣性的呈現
拉丁美洲涵蓋了二十幾個國家、兩種官方語言及上百種方言，其文化的多樣性激盪出獨特的創作環境。過去的十幾年間，不管是學術機構或市場，都愈發感受到拉丁美洲藝術在全球的藝術對話中不可或缺的重要性，也因此促成一股持續成長的熱潮。


（原文刊載於《台北藝術論壇電子報》第12期2012年1月號）

藝術、科學、或兩者之間？ ——紐約新美術館特展「卡斯頓．霍勒：經驗」

卡斯頓．霍勒的〈巨型精神病水箱〉

走進紐約新美術館近期的特展「卡斯頓．霍勒：經驗」，感覺不像是參觀美術館，反倒像是進入遊樂場一般，大型溜滑梯及旋轉鞦韆前排著長長的隊伍，霓虹燈管在場內不停地閃爍著，部分觀眾頭上帶著大型折光眼鏡小心翼翼地跨出每一步。

比利時藝術家卡斯頓．霍勒（Carsten Höller, 1961-）擁有昆蟲學博士學位。1990年代初，他開始藝術創作，進而逐漸離開原本的專業，走向全時間創作的路線。不過，由於本身的科學背景，他的創作常像做實驗一般，展場也像大型實驗室，透過一定的控制元素探索人類感官經驗的極限。本次紐約新美術館的特展「卡斯頓．霍勒：經驗」，涵蓋了霍勒過去十八年的作品，挑戰觀眾對於自身及周圍環境的既有認知與了解。

●刺激新的感官體驗
若要充分體驗「卡斯頓．霍勒：經驗」，觀眾必須登記借用折光眼鏡，並簽署一份切結書，表明自願與作品互動，且結果自行負責。戴上折光眼鏡後，眼前的世界瞬間上下左右顛倒，使得觀眾每走一步都需要極大的勇氣。位於一樓的〈巨型三倍蘑菇〉（2010）在折光眼鏡的輔助下，成為令人摸不著頭緒的蘑菇叢林，蘑菇鮮豔的色彩及變異的形狀，增添了整個經驗的迷幻效果。

位於三個樓層展場中央的〈無題（溜滑梯）〉（2011），將不同樓層的展覽空間串連在一起。這座102呎長的管狀旋轉溜滑梯，從美術館四樓展場為起點，穿過兩層地板，一路連到二樓展場。由於溜滑梯的材質為金屬及透明塑膠，因此在參與者感受快速穿越樓層的同時，旁觀者也可看到他們呼嘯而過的身影，或甚至瞥見他們的表情。對於這件作品，霍勒表示：「溜滑梯是一件很怪異的東西。它是從一點移動到另一點很有效率的方式，但它也是幾乎沒有控制的墜落。溜滑梯帶有一種特殊的瘋狂。」這種瘋狂，正是霍勒欲從作品中引發的狀態：無論科學如何進步，人類對於世界的了解仍相對微小，因此自己的感官並不值得信任，唯有在丟去既定經驗的束縛的情況下，才能創造無限的可能性。

相對於溜滑梯的速度，位於四樓的另一件作品〈鏡面旋轉鞦韆〉（2005）則提供了極度緩慢的移動經驗。不同於一般遊樂場的旋轉鞦韆，此處的鞦韆以幾乎察覺不到的速度旋轉著，而布滿表面的鏡子則反映著周圍環境。坐在上面，耳邊傳來另一件作品〈唱歌的金絲雀活動雕塑〉的鳥鳴聲，似乎可漸漸進入一種冥想狀態。

位於三樓的〈巨型精神病水箱〉（1999），同樣帶給觀眾片刻寧靜冥想的空間。觀眾可以進入半透明的塑料箱形構造中，脫去身上的衣物，躺在如同死海一般密度極高的液體中。作品的目的，是為了讓觀眾體會一種脫離身體、感官被剝奪的經驗。由於液體中的鹽分甚高，躺在水中不久後，皮膚便會漸漸發熱，甚至要脫皮似的，因此數分鐘後，原本放鬆的身體即會感到不適。這件作品的原意，是要讓多人同時在水中漂浮，不過展覽開幕幾天之後，紐約的衛生單位基於公共衛生的理由禁止這樣的做法，美術館也因此將規則更改為一次只能一人進入體驗。

走入二樓展場，觀眾的視覺立刻被不停閃爍的強烈燈光影響。〈雙燈角落〉（2011）是布滿牆面的霓虹燈管，在連續強烈閃爍的同時，給予觀眾一種周圍空間正在不停改變的假象，同時卻也造成一種不適感。散布在地上的多件動物雕塑，有著鮮豔的顏色，這組「動物群組」（2011）為整個空間增添了超現實的氛圍。除了上述的大型裝置作品之外，展覽中也有許多小型作品，都讓觀眾能在互動的過程中，以不同的角度觀看或體驗世界，顛覆原本對於時間、空間的認知。

●關係美學的極至
霍勒常被歸類為「關係美學」的藝術家，也就是將美術館轉變為一個歡慶的、集合的，並且大家參與的空間。而特展「卡斯頓．霍勒：經驗」中，這樣的定義似乎被推向極至，在這個強調美術館與觀眾互動的時代，將「互動」的概念帶到一個不同的層次。事實上，參與展覽的觀眾已不僅僅是與作品互動，而更在某些情況下成為實驗的一部分。不過，這樣的形式是否算是藝術，又是否被常參觀美術館的觀眾接受，仍然受到質疑與討論。「卡斯頓．霍勒：經驗」展至1月15日。


（原文刊載於《藝術家》雜誌440期2012年1月號）

2011年美國重要展覽回顧

「亞歷山大．麥坤：野蠻之美」展場一景

回顧2011年，美國大大小小的展覽不盡其數。若要從中選出最具有標誌性且值得回顧的，該是觀展人次超過六十萬次的「亞歷山大．麥坤：野蠻之美」，以及引起最大迴響和爭議的「捉／藏：美國肖像中的差異與慾望」這兩項展覽了。

●紐約大都會美術館——「亞歷山大．麥坤：野蠻之美」
亞歷山大．麥坤（Alexander McQueen, 1969-2010）可謂21世紀初最突出的英國時尚設計師之一。雖然他於四十歲之際結束了自己的生命，但是在他短暫的設計生涯中，卻展現了戲劇般多變且強烈的獨特風格。2011年5月4日至8月7日，也就是他去世的一年之後，紐約大都會美術館舉辦了「亞歷山大．麥坤：野蠻之美」，以大約一百套服裝及七十件配件，回顧他自1992年至2010年的創作。浪漫主義、原始主義、歷史影射、蘇格蘭根源等，都對於麥坤的設計有顯著的影響，而19世紀的維多利亞哥德式藝術更是他重要的靈感來源，因此他的作品常結合了浪漫及恐懼，在美麗之中帶有深深的黑暗。

「亞歷山大．麥坤：野蠻之美」推出後，吸引了廣大的人潮，以至於美術館兩度延長展期，最後兩天甚至開館至午夜，觀眾也需排隊數個小時才得以進入展場。短短三個月之內，累積了661509觀展人次，成為大都會美術館一百四十一年歷史以來，觀展人次排名第八的展覽，與「圖坦卡門的寶藏」（1978）、「蒙娜麗莎」（1963）、「畢卡索大展」（2010）等具有票房保證的超級大展同列前十名的位置。美術館也指出，在展期之內，美術館會員人數增加了兩萬三千人，是去年同時期的兩倍以上，蔚為難得的盛況。

●華盛頓國家肖像藝廊——「捉／藏：美國肖像中的差異與慾望」
在這個同性戀議題仍舊受到多方爭議的環境中，華盛頓國家肖像藝廊跨出了大膽的一步。於2010年10月30日至2011年2月13日推出的展覽「捉／藏：美國肖像中的差異與慾望」，檢視了自19世紀末以來，同性戀藝術家及主題對於現代藝術發展的重要性。一百餘件作品的規模，使其成為探討同性戀議題的首度大型美術館展覽，又由於國家肖像藝廊是公帑營運的美術館，因此主題的適合度本身便是值得討論的話題。然而，使展覽聲名大噪的，是瓦納羅維奇（David Wojnarowicz）的錄像〈腹中之火〉（1987）的遭撤事件。在政治上保守的天主教聯盟及數位國會議員批評作品中的一個畫面褻瀆與不敬，並要求關閉展覽。國家肖像藝廊在龐大的壓力下，於12月1日將作品取下。不過，這樣的舉動反而使〈腹中之火〉在短時間內成為討論度最高的作品。許多美術館及空間紛紛播放此作品，展覽也增加了巡迴的地點，而展覽結束的數個月之後，話題仍繼續延燒。

〈腹中之火〉遭撤事件不僅是單純的同性戀身分的爭議，更牽涉到宗教立場及政治選票的大層面議題。除此之外，創作自由、藝術查禁、某些藝術單位見風轉舵的虛偽態度等問題，也在此事件中浮現出來，可謂在本年度藝術史上記下一筆重要的篇章。


（原文刊載於《藝術家》雜誌440期2012年1月號）