以聲音做為感知的聯結——美國當代聲音藝術展覽點選

伯恩作品〈彈奏建築〉於紐約砲台海事大樓裝置一景

在美國的文獻紀錄中，「聲音藝術」一詞最早出現於1983年特展「聲音／藝術」的展覽目錄中。這項位於紐約雕塑中心的展覽展出廿餘位藝術家的作品，策展人海勒曼（William Hellerman）認為「聆聽是另一種形式的觀看」，在聲音及影像的結合之下，加強觀者的參與感，並使體驗藝術的過程擴展到實際、具體的空間。事實上，在此展覽之前已經有許多藝術家及音樂家探索聲音的可能性，往前可追溯至二戰之後，美國繼歐洲成為實驗性聲音創作的中心，出現了大量的實驗性作品。1952年，作曲家兼藝術家約翰．凱吉（John Cage）的作品〈4分33秒〉具有突破性的意義。這首三個樂章的曲子中，一個音符也沒有，但凱吉表示這並不是4分33秒的靜默，而是為了讓聽眾聆聽環境的聲音，他的創作靈感一方面來自音樂廳的建築，另一方面則來自好友勞生柏的「空白」繪畫系列。雖然這件作品引來許多批評，讓凱吉的名聲大受打擊，但是他運用環境成為創作元素的作法，開啟了另一種可能性，日後許多聲音藝術家也都表示受到其啟發甚巨。

從凱吉至今，聲音藝術雖然不是最常見的藝術形式，但其發展也沒有停頓過，白南准、紐浩斯（Max Neuhaus）、伊諾（Brian Eno）等都是在此領域進行探索的幾位藝術家。直至當代，聲音藝術融合了各種媒材，以許多不同的形式出現，讓觀者使用多種感官體驗藝術。

●建築的交響樂
如同凱吉使用環境成為創作元素的概念，大衛．伯恩（David Byrne, 1952-）的裝置作品〈彈奏建築〉將曼哈頓南邊現已閒置的砲台海事大樓轉化為一件大型樂器。他將一台改裝過的風琴放置在大樓的大廳中央，以電線、繩子及管線等物連接風琴及建築內的廊柱、水管、暖氣系統及通風口等處，並於此空間四周裝上各種小機關，每在風琴上彈奏一個音，便引起建築內部空氣的振動與共鳴，產生特殊的聲響，有如同汽笛般的鳴響、如同引擎運轉的聲音、如同吹奏管樂器的樂音，也有金屬敲打的聲音，若一次彈奏好幾個音，不同的聲響自然會同時出現。因此，在展覽的兩個半月期間，砲台海事大樓好似一座巨大的交響樂團，觀眾在其中成為演奏者，在彈奏的過程中，整座建築就好像活起來一般。而陽光透過窗戶照射進來，也讓各種管線在地面形成有趣的光影效果。

這件2008年於紐約展出的作品，在2005年已於斯德哥爾摩的一間由舊工廠改建的展場中展出過，當時伯恩受邀展覽，而那座典型工廠的結構便引發他使用建築產生聲響的想法，又剛好他有一台舊風琴，〈彈奏建築〉的雛型便漸漸形成。作品在兩地展出後，伯恩表示自己對於作品的成功度也感到驚訝，特別是觀眾的反應及互動。幾乎所有的觀眾都對於彈奏風琴躍躍欲試，而在等待的過程中，則在展場中來回走動，觀察聲音產生的來源及方式，這件作品因此不僅是一件藝術品，更成為人們產生共同經驗的裝置。另一方面，風琴在巨大空間中的景象，很容易讓人聯想到教堂，但此處的風琴即使在工廠中，似乎也同樣給予人們一種心靈上的感動與驚喜。因此，透過作品的呈現，伯恩模糊了文化創作者（藝術家）與文化消費者（觀眾）的界線，也消弭了所謂高等場所及低等場所的邊界。

●一個星期的日子
2009年威尼斯雙年展，美國代表藝術家布魯斯．諾曼（Bruce Nauman, 1941-）展出了聲音雕塑〈日子〉，獲得了最佳國家館金獅獎，而作品在威尼斯雙年展結束後回到美國，相繼在費城美術館及紐約現代美術館展出。

〈日子〉由十四片以金屬線懸吊起的大型白色平面方形喇叭組成，每七片排在一側，遍布整個展覽空間。從喇叭中傳出分別以英文及義大利文唸誦的一個星期中的每個日子，這些聲音各錄製自不同的人，有男有女、有老有少，每個人唸誦的速度及順序也各不相同，所有的喇叭同時播放，自然形成一種和聲，或也可稱為一團雜音——當觀者從遠方走近時，無法立刻清楚分辨出說話的內容，所有的聲音混合成一種嗡嗡聲；靠近某個喇叭時，則可清楚聽到該喇叭播放的內容；但若站在展場中央，又是霎時間有種不知該聽向哪個方向的感覺，好似被聲音包覆一般。展場中央放置了凳子，邀請觀眾坐下來細細分辨周圍傳出的說話聲。

就有如諾曼向來的創作一般，語言及聲音在其中佔有重要的角色，在〈日子〉的創作中，聲音成了雕塑作品的形式。這件作品的唸誦聲不斷循環，沒有停止，雖然有時某個聲音會漸弱或暫停，但整體的聲響仍持續進行。它反映了日子流逝的平庸，而我們的生活及行為卻被這樣的週期循環規範著，但它同時也反映了時間的深度，並邀請觀眾思考自身對於時間的態度。

●非傳統的樂譜
藝術家兼作曲家克里斯尋．馬爾克雷（Christian Marclay, 1955-）向來擅於在創作中結合聲音及影像，他是使用唱機轉盤創作的先驅，並常將聲音及音樂轉化為視覺及具體的形式。而去年惠特尼美術館推出的「克里斯尋．馬爾克雷：節慶」特展，便將馬爾克雷近十多年來的創作做一呈現，特別是他的「圖象樂譜」系列。

這十五年來，馬爾克雷使用衣服、唱片封面、箱子、照片……等物件創作樂譜，而這些樂譜都由音樂家以創新的方式演出。例如〈塗鴉樂曲〉一作，最早是於1996年馬爾克雷受柏林藝術學院之邀，為音樂節「Sonambiente」創作，他將五千張空白五線譜在一個月的節慶期間張貼在柏林各處，所有的人都可以隨意在五線譜上做記號、塗鴉，或甚至撕破它，最後，這些五線譜被拍攝下來，以一百五十張圖象集合成沒有順序的樂譜，而音樂家可隨意選擇其中的一部分演奏，或以其為靈感創作自己的音樂。投影錄像〈螢幕彈奏〉（2005）則堆疊了黑白圖片及電腦繪製的如同音符般的彩色圖象。在惠特尼美術館展場中，有長18公尺的樂譜由歌唱家演出，也有一塊覆蓋整個牆面的黑板，其上畫有五線譜，而所有的觀眾都可以在其上標記，創作一首合作而成的樂曲，在展覽期間也持續被演出。

馬爾克雷在過去的十年間持續拍攝日常生活中看到的音符，無論是裝飾品或是用做音樂的象徵，甚至是在時尚或廣告的脈絡中，他表示：「由於這些音符不是作曲家寫的，而是插畫家或設計家創作的，所以它們常有錯誤或是不完整。但也不需要糾正它們，因為這只是一個象徵，它們代表了音樂的概念，而非特定的音符。這樣的圖象讓我想到實驗性音樂的樂譜，其實這兩者很相似，它們還是可以彈奏，我希望這樣的圖象可以帶來出乎意料的聲音、節奏，或甚至旋律。」

●周遭的聲音
過去的近四十年間，比爾．封答那（Bill Fontana, 1947-）運用聲音做為雕塑的媒介，創作與環境互動或轉換人們對建築視覺感知的裝置作品，其中大部分都在公共空間展示。封答那的聲音雕塑使用人們與自然環境的聲音，加上科技的輔助，強調在任何時刻，都存在著有意義、值得聆聽的聲音。

2006年，封答那受邀在倫敦創作的聲音雕塑〈和聲橋〉以泰晤士河千禧橋的周圍聲音為作品元素，他在橋上放置數個變換器及振動感應器，並將信號傳至河邊的泰德現代美術館，再以擴音器放大，因此在館內可聽到低沉的隆隆聲。封答那解釋道，這件作品的目的在於從日常生活的普通聲音中探索「神奇的感覺」。

去年11月至今，封答那於舊金山現代美術館展出聲音雕塑〈聲音之影〉，將美術館的天窗及五樓的桁架橋轉變為樂器。這件作品使用超音速擴音器組合而成的平面，並搭配振動感應器以感應觀眾的腳步聲，再將其融入周圍包括室內及室外的聲音。從四個擴音器傳出的超音波在牆面上反射後，也傳出了特殊的聲音，使得整個空間成為多重感覺的空間。〈聲音之影〉的靈感來自方塔那最近對於建築架構共鳴的研究，他將美術館建築的特色列如考量，並以聲音來詮釋實際空間，可謂視覺及聽覺的融合。這也是方塔那首次的互動作品，以往他常是將某個遠處的聲音搬移到美術館內，就如上述的〈和聲橋〉，不過〈聲音之影〉則是利用現場觀眾及建築架構來創作，達成更直接的感覺。

●另一種感官經驗
總的來說，聲音藝術在美國的發展形式十分多元，不過大部分都與科技有直接關係，正因為如此，它的可能性也非常多，以至於其定義並不容易界定。互動作品似乎是愈來愈普遍的趨勢，而藝術家也欲透過作品，讓觀眾在視覺之外，再多一項感官的經驗。


（原文刊載於《藝術家》雜誌433期2011年6月號）