20世紀美國攝影三巨匠——紐約大都會美術館展出史提葛立茲、史泰欽及史川德作品

史提葛立茲　喬治亞．歐姬芙——脖子　白金顯像　23.6×19.2cm　1921　The Metropolitan Museum of Art, Gift of Georgia O'Keeffe, through the generosity of The Georgia O'Keeffe Foundation and Jennifer and Joseph Duke, 1997 (1997.61.19).

史提葛立茲（Alfred Stieglitz，1864-1946）、史泰欽（Edward Steichen，1879-1973）及史川德（Paul Strand，1890-1976）是20世紀美國攝影史上三位重要的攝影家，他們三人各有不同的成就及風格，彼此之間卻又息息相關。紐約大都會美術館自11月起至明年4月10日推出展覽「史提葛立茲、史泰欽、史川德」，從館藏精選出一百一十五件作品，大多拍攝於1900年代至1920年代間，呈現此時美國攝影的發展及突破。

●建立攝影的藝術地位
將大眾普遍對於攝影的認知從紀錄性工具轉為藝術形式，史提葛立茲是功不可沒。當他於1890年從德國念完工程返回美國之時，一心決定要證明攝影如同繪畫及雕刻一般，是充滿藝術表現的媒材。他於1902年提出「攝影分離派」，在講究攝影的技術層面之外，也注重作品的題材及構圖，以拍攝出充滿畫意的作品，人物、紐約街景及雲朵都是他常拍攝的對象。

史提葛立茲最著名的作品系列之一，是於1924年成為他的妻子的歐姬芙的肖像。1917年至1937年間，他所拍攝的歐姬芙影像總共超過三百卅件，許多都聚焦在她的身體的某一部分，例如臉、身軀、手、腳……等，他相信單一肖像並不能完全含括她的人格，而是透過各個部位做不同的表達。史提葛立茲鏡頭下的歐姬芙，有時著衣、有時裸體，有時陰柔、有時陽剛，有時內斂、有時外放。她的優點及缺點都透過作品呈現出來，這也成為大眾認識歐姬芙的最主要媒介。

不僅拍攝作品，史提葛立茲也曾任數個攝影雜誌的編輯，並經營攝影藝廊「291」，支持同時代其他志同道合的歐美攝影家。而對於大都會美術館來說，史提葛立茲的重要性又更深一層。1928年，他贈送了廿二件自己的作品給美術館，成為第一批以「純藝術」形式進入大都會館藏的攝影作品。日後，他又贈送了超過六百件同時代攝影家的作品，其中便包括史泰欽及史川德的作品。

●如繪畫般的攝影
提供自己的工作室並與史提葛立茲共同經營「291」藝廊的史泰欽，是「攝影分離派」的代表攝影家，認為攝影的意義不僅是被拍攝的人或物，更重要的是攝影家處理影像的方式，以達到自己主觀的視覺表現。本次展出的〈池畔月色〉（1904）是其代表作，它透過多次顯像的技術，展現如繪畫般的層次及色彩，是「畫意式攝影」的絕佳表現，也是最早的彩色攝影作品之一。這件作品現存有三個版本，由於處理過程不同，每個版本都有些微的差距，也更增加其珍貴性。除了史提葛立茲於1933年捐贈給大都會美術館館藏的版本外，史泰欽於1967年也自己捐贈一件給紐約現代美術館，而第三件則於2006年2月紐約蘇富比拍賣會上以292萬8千美元拍出，當時創下美國攝影作品的拍賣紀錄。

另一組展出的經典作品，是三件〈熨斗大廈〉（1904），雖然這三件作品是由同一張底片沖洗出來的，但史泰欽使用不同的色調處理，讓作品呈現不同的感覺。大都會美術館的館藏中，也有史泰欽與史提葛立茲以當時新發明的天然彩色相片技術（Autochromes）創作的作品，由於這些作品的脆弱與對光的敏感度，五件精選原作將於明年1月25日至30日展出，其他時候，則以複製版本呈現。

●將攝影藝術帶向現代主義
三者之中最年輕的史川德，在學生時代參觀過「291」藝廊後，便下定決心成為一位攝影家。他以「攝影分離派」強調的美感及繪畫性為出發點，更進一步地在作品中表現幾何及抽象的構圖，把攝影藝術帶向現代主義的表現，他曾說道自己注重「如何建構一張照片、由什麼內容組成、形狀如何與彼此連結、如何填滿空間，以及所有的元素如何形成一個整體」。

史川德以如此的幾何抽象語彙，表現那個時代的人物街景及機械文化。1915年至1917年間，他的作品有三項重點主題：城市的活動、抽象影像及街頭肖像。他在紐約大量移民聚集的下東城區捕捉街頭人物的形象，拍攝對象都是當時紐約典型的無民小卒，他的作品也因此顛覆了傳統強調權力與風光的攝影肖像。1917年，史提葛立茲在「291」藝廊展出史川德的作品，並在雜誌中大篇幅介紹這位為現代攝影帶來關鍵性改變的年輕攝影家，稱讚他的作品是「今日的直接表現」。

三位攝影家，在美國攝影史上各具有其標示性，如今同時展出，呈現那廿年間的攝影進程與精華。

（原文刊載於《藝術家》雜誌427期2010年12月號）