20世紀美國攝影三巨匠——紐約大都會美術館展出史提葛立茲、史泰欽及史川德作品

史提葛立茲　喬治亞．歐姬芙——脖子　白金顯像　23.6×19.2cm　1921　The Metropolitan Museum of Art, Gift of Georgia O'Keeffe, through the generosity of The Georgia O'Keeffe Foundation and Jennifer and Joseph Duke, 1997 (1997.61.19).

史提葛立茲（Alfred Stieglitz，1864-1946）、史泰欽（Edward Steichen，1879-1973）及史川德（Paul Strand，1890-1976）是20世紀美國攝影史上三位重要的攝影家，他們三人各有不同的成就及風格，彼此之間卻又息息相關。紐約大都會美術館自11月起至明年4月10日推出展覽「史提葛立茲、史泰欽、史川德」，從館藏精選出一百一十五件作品，大多拍攝於1900年代至1920年代間，呈現此時美國攝影的發展及突破。

●建立攝影的藝術地位
將大眾普遍對於攝影的認知從紀錄性工具轉為藝術形式，史提葛立茲是功不可沒。當他於1890年從德國念完工程返回美國之時，一心決定要證明攝影如同繪畫及雕刻一般，是充滿藝術表現的媒材。他於1902年提出「攝影分離派」，在講究攝影的技術層面之外，也注重作品的題材及構圖，以拍攝出充滿畫意的作品，人物、紐約街景及雲朵都是他常拍攝的對象。

史提葛立茲最著名的作品系列之一，是於1924年成為他的妻子的歐姬芙的肖像。1917年至1937年間，他所拍攝的歐姬芙影像總共超過三百卅件，許多都聚焦在她的身體的某一部分，例如臉、身軀、手、腳……等，他相信單一肖像並不能完全含括她的人格，而是透過各個部位做不同的表達。史提葛立茲鏡頭下的歐姬芙，有時著衣、有時裸體，有時陰柔、有時陽剛，有時內斂、有時外放。她的優點及缺點都透過作品呈現出來，這也成為大眾認識歐姬芙的最主要媒介。

不僅拍攝作品，史提葛立茲也曾任數個攝影雜誌的編輯，並經營攝影藝廊「291」，支持同時代其他志同道合的歐美攝影家。而對於大都會美術館來說，史提葛立茲的重要性又更深一層。1928年，他贈送了廿二件自己的作品給美術館，成為第一批以「純藝術」形式進入大都會館藏的攝影作品。日後，他又贈送了超過六百件同時代攝影家的作品，其中便包括史泰欽及史川德的作品。

●如繪畫般的攝影
提供自己的工作室並與史提葛立茲共同經營「291」藝廊的史泰欽，是「攝影分離派」的代表攝影家，認為攝影的意義不僅是被拍攝的人或物，更重要的是攝影家處理影像的方式，以達到自己主觀的視覺表現。本次展出的〈池畔月色〉（1904）是其代表作，它透過多次顯像的技術，展現如繪畫般的層次及色彩，是「畫意式攝影」的絕佳表現，也是最早的彩色攝影作品之一。這件作品現存有三個版本，由於處理過程不同，每個版本都有些微的差距，也更增加其珍貴性。除了史提葛立茲於1933年捐贈給大都會美術館館藏的版本外，史泰欽於1967年也自己捐贈一件給紐約現代美術館，而第三件則於2006年2月紐約蘇富比拍賣會上以292萬8千美元拍出，當時創下美國攝影作品的拍賣紀錄。

另一組展出的經典作品，是三件〈熨斗大廈〉（1904），雖然這三件作品是由同一張底片沖洗出來的，但史泰欽使用不同的色調處理，讓作品呈現不同的感覺。大都會美術館的館藏中，也有史泰欽與史提葛立茲以當時新發明的天然彩色相片技術（Autochromes）創作的作品，由於這些作品的脆弱與對光的敏感度，五件精選原作將於明年1月25日至30日展出，其他時候，則以複製版本呈現。

●將攝影藝術帶向現代主義
三者之中最年輕的史川德，在學生時代參觀過「291」藝廊後，便下定決心成為一位攝影家。他以「攝影分離派」強調的美感及繪畫性為出發點，更進一步地在作品中表現幾何及抽象的構圖，把攝影藝術帶向現代主義的表現，他曾說道自己注重「如何建構一張照片、由什麼內容組成、形狀如何與彼此連結、如何填滿空間，以及所有的元素如何形成一個整體」。

史川德以如此的幾何抽象語彙，表現那個時代的人物街景及機械文化。1915年至1917年間，他的作品有三項重點主題：城市的活動、抽象影像及街頭肖像。他在紐約大量移民聚集的下東城區捕捉街頭人物的形象，拍攝對象都是當時紐約典型的無民小卒，他的作品也因此顛覆了傳統強調權力與風光的攝影肖像。1917年，史提葛立茲在「291」藝廊展出史川德的作品，並在雜誌中大篇幅介紹這位為現代攝影帶來關鍵性改變的年輕攝影家，稱讚他的作品是「今日的直接表現」。

三位攝影家，在美國攝影史上各具有其標示性，如今同時展出，呈現那廿年間的攝影進程與精華。

（原文刊載於《藝術家》雜誌427期2010年12月號）

戰後義大利的藝術要角——費城美術館推出皮斯多列托個展

「米開朗基羅．皮斯多列托：從一到多，1956-1974」展場一景，此為鏡畫。

藝術家米開朗基羅．皮斯多列托（Michelangelo Pistoletto，1933-）是1950及1960年代義大利藝術發展的要角，他不僅是「貧窮藝術」（Arte Povera）運動的先驅之一，也於近廿年來，在互動藝術上深深影響西方年輕一輩的藝術家。他的創作風格及媒材廣泛，主題則多表達個人的內省，以及藝術與日常生活的結合。費城美術館與羅馬國立21世紀美術館合作，於11月初至明年1月16日推出展覽「米開朗基羅．皮斯多列托：從一到多，1956-1974」，將皮斯多列托的大約一百件作品，放在西歐於二世次界大戰之後文化轉變的文本中檢視，並建立他與1960年代之後的義大利及美國藝術的連結，包括普普藝術、低限主義、貧窮藝術及觀念藝術。

●父親的啟蒙
皮斯多列托自小即接觸藝術。他的父親在義大利北邊的比耶拉市從事藝術創作，於此結婚並生下皮斯多列托。一年後全家搬遷至杜林，父親於該處開了一間藝術品修復工作室以維持生計，但同時也繼續自己的繪畫創作，直到1943年工作室被炸彈炸毀，而搬到蘇薩直到戰爭結束。

在父親的薰陶下，皮斯多列托從小畫畫，十四歲開始在父親的工作室幫忙，他認為這個階段奠定了自己對於西方繪畫傳統的基礎，他說：「時時刻刻親手接觸大師傑作，是我認為一個人所能得到最好的教育。上百件各個時期的作品進到我們的工作室，有些損毀得很嚴重，需要仔細地研究，才能找到最好的修復方式。」十八歲，皮斯多列托進入義大利知名的阿曼多．特斯塔（Armando Testa）廣告公司。一年後，他自己創業，但並未間斷在父親的工作室幫忙，幾年下來，他持續兼做兩種不同的工作，而他認為自己日後的「鏡畫」便是奠基在此時的經驗。

●以自畫像出發
本次的展覽，以一系列自畫像為出發點。1950年代，皮斯多列托開始自畫像的創作，而1955年，他在杜林首度參展，展出的即是自畫像。1956年至1958年，他的自畫像尺幅愈來愈大，由半身到全身，由頭部佔較大比例到身體佔較大比例，人像的身形拉長，並漸漸朝向較為抽象的表現，而作品的背景，也佔去愈來愈大的空間。皮斯多列托一直在探索人像與其背景的彼此關係，他將背景抽空，以單色調填滿人像以外的空間，如此的表現方式，不僅使人像看起來更為孤獨，也讓觀者更容易將焦點放在人像上面 。

1960年，皮斯多列托的自畫像特徵已非常明顯：與真人等身、靜止，並不帶有任何表情，就好像普遍人類的存在一般。1961年的一件自畫像，成了他創作的轉捩點之一。當時他在黑的背景色上塗了一層厚厚的亮光漆，而當他靠近畫布要畫上自己的臉時，發現自己的影像反射在畫布上，因此他根本不需要使用鏡子，只要畫下畫布反射的影像就好。這樣的創作過程中，形成「觀看」與「被觀看」的互動關係，最終也引致他的「鏡畫」作品創作。

●與環境互動的鏡畫
所謂「鏡畫」，是以磨亮的不鏽鋼板為背景的作品。經過許多的實驗與嘗試後，這些於1962年達到純熟的作品，讓皮斯多列托在國際上嶄露頭角。他將照片放大為等身大小，然後把照片影像以畫筆描繪至衛生紙上，再貼上不鏽鋼板，而1971年之後，絹板印刷則取代了描繪於衛生紙的影像。這樣的創作媒材，成功地將作品與周遭環境結合，並由於觀看作品之時，觀者自己的影像也反射在其中，因此作品也與觀者進行直接的互動。而創作主題，則涵蓋早期的自畫像與生活周遭的人，以及之後反映義大利1970年代政治社會變遷的人物。

●自發與偶然
展覽的中央展廳，展出了一系列皮斯多列托於1965年末至1966年初創作的雕塑作品「減物」。雖稱之為「系列」，但實際上沒有任何兩件作品是類似的，有木製桌椅、以厚紙板為媒材的花朵、水銀燈、傑斯帕．瓊斯畫像、水泥柱……等，差別大到像是不同的藝術家的創作。可以說，這些作品的共同點，就是其自發性與偶然性。最早於1966年在皮斯多列托杜林的工作室展出之時，並未獲得藝評家的青睞，甚至拉下了他因鏡畫所建立起的聲譽。然而放在那個時代來看，這些作品打破了藝術家必須要有獨特一貫風格或所謂「註冊商標」的普遍認知。藉由「減物」的創作，皮斯多列托質疑低限主義所強調的重複性，而由工藝、建築、設計、大眾文化等方面取得靈感，也展現出他對於各個主題及媒材的熟悉及興趣。

●貧窮藝術的先驅
「減物」系列，也影響了緊接著來到的「貧窮藝術」運動。「貧窮藝術」一詞，是由義大利策展人吉爾馬諾．切藍特（Germano Celant）所定下的，其強調革命性藝術，並脫離傳統、結構性權利及市場的觀念，打破藝術與日常生活用品的界線，而作品的表現，則多使用生活中隨手可取得的破爛無用物品。切藍特與皮斯多列托在「減物」展覽中首次見面，即推崇他為貧窮藝術的催生者。皮斯多列托於作品〈抹布維納斯〉（1967）所使用的材料，便是他用來清潔鏡畫及用於其他行為作品的抹布。

●行走雕塑與市民互動
拉近藝術與生活的距離，一直是皮斯多列托所致力的方向。他於1967年進行〈行走雕塑〉的行動，在杜林的街頭滾著一顆由報紙所做的巨大的球體。而本次於費城美術館的展覽，特別重現此一創作，展覽開幕的週六下午，皮斯多列托、美術館館長與參與的民眾推著一顆複製當年作品的球體，由美術館出發，在費城市區繞了一圈，再回到美術館。整個過程中，孩童的笑聲不斷，也引來路上民眾的目光。對於一座獨立於多層階梯之上、甚至令有些人覺得高不可攀的美術館來說，或許也是走入民眾的好方法。

（原文刊載於《藝術家》雜誌427期2010年12月號）